如今蒂姆伯顿的电影对我们来说已经没有什么惊喜可言。套用墨镜王的一句话，“所有的相遇，都是久别重逢。”形容伯顿的电影创作恰如其分。有些导演一辈子都只在拍一部电影，我们亲切的称呼他们为“作者”。而蒂姆伯顿这个作者，就是那缩在小房间里的阴郁童年，在那个黑暗和封闭的空间里，一个天才用想象力，阅读和梦境，就此奠定了一生。

有两种行为，可以被原谅甚至于顶礼膜拜，成为迷影文化的最高殿堂。一是致敬，二是抄袭自己。《科学怪狗》二者兼备，并且集大成。将自己出道时拍摄的未上映黑白动画短片拖成长片，你既可以说是江郎才尽啃故纸堆，也可以说是大师终于满足了一个年少时不成熟的梦想。实际上，《科学怪狗》就是在圆一个梦，你喜不喜欢只有一个评价标准：在你的梦境里，你是否看见过他们。

很多人对于蒂姆伯顿的态度，正如同影片中社区的居民对于科学的态度。和《剪刀手爱德华》几乎一模一样的小镇社区设计，蒂姆伯顿二十多年来对于普通人的人性理解依然没有变化——他们仍然是那样的粗俗，愚蠢，目光短浅，反对崇高，自私自利，甚至最关键的，丝毫没有善良。如果说《剪刀手爱德华》里的社区居民对于爱德华的恐惧还是情有可原，依然有一些正面人物，大家最后的过激负面反应中恐惧占到大部分原因的话，二十年后，《科学怪狗》里的居民就是一群将人性最庸俗，最卑劣，最低下的一面展现的淋漓尽致的，令人恶心的群氓。

对于不了解的事情，他们妄加评判，甚至能够妄加生死。科学老师在大会上一番近乎于自杀性的演说，换来的更是被冒犯的群体性愚蠢的反击。那一瞬间，那被投入火中的希帕提亚，那被绑在火柱上的布鲁诺，喋喋不休的原教旨共和党人，仿佛就在眼前；人类最为兽性，最为恶心的一面被展现出来。幸好只是一部动画片，我们看到的只是科学老师的落寞的背影。就连那些孩子，也大多失掉了纯真，只醉心与争权夺利。

维克多就是蒂姆伯顿，这条狗就是他的电影世界。看起来黑暗，但实际上无比纯真和温暖，带着无限的天真，不经人事的鬼畜无害，对于世界最为单纯的希望。而真正黑暗的，往往是对他们妄加评判的人，这些人刚愎自用，傲慢自大，心室闭塞，已经被社会的陈旧规定既定结构和意识形态浸淫至根，如同行尸走肉。2005年蒂姆伯顿的《僵尸新娘》，地狱里的僵尸个个活灵活现，人情味爆棚，反而是地上的人类个个平庸无趣，庸俗的如同僵尸。这就是蒂姆伯顿。

《科学怪狗》能给人带来的惊喜，还是属于那些可爱的细节和致敬桥段。开场那日本怪兽电影的即视感和老电影胶片带来的复古气氛；维克多一家就姓“Frankenstein”，隔壁可爱的小姑娘叫范海辛，那个班级第一理了个小恶霸头，发型和老板科学怪人无一二致。连那个坏朋友都叫埃德加（爱伦坡），还是个如同科学怪人助手的驼背；社区的布局和背后的山峦，就是曾经的《剪刀手爱德华》；科学老师就是文森特•普莱斯的化身；隔壁邻居家的那只发型如同弗兰肯斯坦新娘的贵妇狗；宠物墓地的设计就如同《圣诞夜惊魂》的那个悬崖；墓地里最后变成巨型“哥斯拉”式怪物的宠物龟居然叫“雪莱（玛丽）”；配音阵容里，我们看见了马丁•兰道和薇诺娜•赖德。

以及最后，我们再次来到了山顶上的风车。1931年，波利斯•卡洛夫的《科学怪人》永垂影史，人们再也不会忘记那最后的山峦之上，举着火把的人群包围着巨大的风车，科学怪人在其中做着最后挣扎，最后在火灾中自我毁灭的经典场景。《科学怪狗》里，我们再一次复制了这个经典结局——而更令人亲切的是，我们的熟悉感并不来自于那部有些久远的《科学怪人》，而来自于伯顿1999年的《断头谷》；无头骑士，德普和里奇，也是在山峦上的大风车里，用一场爆炸将传奇了结。致敬，自我抄袭，重复创意，居然在瞬间融合成了一个迷离而恋物式的绝妙文本，回忆和典故刹那间交汇，情感也随之积累，并最终宛若长河，直到围观的人群逐渐散去——一如《剪刀手爱德华》那样。

蒂姆伯顿的黄金岁月可能已经结束了，他将一生与他童年的这些梦魇永远为伴。我们理解他，我们爱他，我们知道，他只是看起来黑暗，而真正黑暗的，只是那些不理解还毁谤他的人的心。

最后的期望是，就像威尼斯电影节都已经授予了伯顿一尊终身成就奖那样，今年的奥斯卡颁奖典礼能把最佳动画长片授予《科学怪狗》，那或许是蒂姆伯顿当初刚进入电影业时，最初的梦想。这也许是好莱坞最后一个传统的“作者”，他不是造梦师，而是将梦想变成现实。

      早先在看到第一批预告片放出的时候我曾毫不留情地痛批这部科学怪狗是蒂姆·波顿不思进取毫无诚意的作品，和《僵尸新娘》如出一辙的尖脸、细身、大圆眼的角色造型完全没有什么可区分度，近年来甚嚣尘上的关于蒂姆·波顿已经江郎才尽，“波顿式哥特”已死的传言也似乎愈发显得有据可循。
      而在我认真地看完了这部《科学怪狗》之后，我100%收回上面那句无知的言论。因为当我看到片中的主角Victor和早年波顿的成名短片《Vincent》的角色造型几乎一模一样的时候，我明白了这其实是蒂姆大叔一次用哥特和阴暗包裹起来的温柔自白
 
  
      首先科普一下《Vincent》这部短片的内容及其创作意义。

      年仅七岁的文森特，他总是表现出很有教养，并且做大人让他做的事。但他又是一个爱幻想的男孩，他的脑子里充满了各式各样的古怪而新奇的念头，却受到成人社会的压抑 ，他陷入到深深的孤独之中，活在冥想中那充满鬼怪的世界里。文森特最喜欢的作家是爱伦坡（Edgar Allen Poe）。一天晚上，当他在读一本令人后怕的书的时候，幻想着自己是恐怖演员，饰演将妻子活埋后不堪精神重负的凶手。他挖开她的墓去确定她是否还活着，他并没有意识到那是他母亲的花圃，文森特的母亲将他关在房间里，他知道他不得不被驱逐到末日之塔，他被判在那儿度过他的一生并长眠，孤身一人，只有他美丽的妻子的画像为伴，当他孤独的“墓穴”中只剩他混乱的思想……


      黑色幽默的温婉和忧伤，自闭又很有张力，冷与暖的交揉，是阴森中的华丽，温暖中的残酷，黑暗中的温馨，一个非常诡异的世界

      蒂姆·波顿小时候常常被父母锁在屋子里，后来又离开父母跟年迈的祖父一起居住。那正是他顽劣的青春期的时候，一个老人明显不是他叛逆的对手。理所当然的，蒂姆·波顿的世界被小人书和恐怖电影包围。和许多孤独的人一样，波顿的内心世界丰富多彩，又极度黑暗，就好像当一个头破血流的小孩蘸着自己伤口上的血画出一朵玫瑰，玫瑰的色彩很美，可是也很恐怖



      有蒂姆入驻的作品，纵使是公司庞大如几乎只手遮天的Disney，亦不惜冒天下之大不韪破例一改开场前梦幻绚丽的城堡烟火LOGO动画，用黑白灰三色交织而成的深度忧郁和阴森为整部电影从最开始就奠定了基调，可以说这个举动的意义远远不止于为影片造势添火，其目的多少有点向蒂姆大叔这位年近60的鬼才老顽童致敬的意味在里面。而这部作品也确实在真正意义上完成了蒂姆长期以来想把《科学怪狗》以定格动画的方式，配合3D的新世纪电影技术，呈现在大荧幕上。对于蒂姆而言，《科学怪狗》更多的是一次伟大的实验和一种心愿的达成，至于最终的口碑和票房如何，我想，大叔本人和热爱他、尊敬他、懂得他的影迷心中自有一尺精准的标杆在。

      也正是由于大量消极阴暗的元素的加入，使得这部本应该面向低龄观众群的动画电影的受众面倍受挤压。在我个人看来这部动画起码得是PG-17的等级，毕竟怪诞、阴森、忧郁、惊悚、恐怖、血腥、死亡这些敏感话题与素材不论在哪一个国家、不论人类社会文明发展到如何思想开放的程度，这些都是不允许也绝不应该向尚处于心智开始健全阶段的未成年儿童的 —— 毕竟，绝大多数家长首推Disney的根本目的也就是在孩子哭泣或是对生活的百无聊赖失望的时候塞给他们一张制作精美的蓝光碟，换到他们一个半小时的放声欢笑，期待着贯穿在电影中的那些正能量能够多少引导甚至矫正孩子的三观，不是吗？

      由此看来，这次蒂姆和Disney的强强联手恐怕才是超越影片内容之外的令所有家长都闻风丧胆的恐怖故事：孩子被带坏了怎么办？

      而这一种几乎已经根植于大多数家庭心中的固有偏见恰恰是对蒂姆本人最大的误解与诋毁。



      因为有早期的《Vincent》作铺垫和本片遥相呼应，从Frankenweenie这个孩子角色一登场我就是按照蒂姆的形象和人生轨迹去打量他的。

      这个看似再寻常不过的小男孩身上几乎收纳了所有蒂姆本人的最有代表性的一些个人特点与标签：孤独、自我、个性、宅、执拗、聪敏、奇思妙想、怪诞、复杂，各方面体现出不应该是他这个年龄层所拥有的成熟和忧郁。

      而造型同样怪诞无比的狗狗Sparky作为Frankenweenie父母之外的唯一陪伴，自然是有着它被创作出来存在的理由 —— Sparky就好像蒂姆童年时期、或者甚至是之后的创作期的一个感情寄托，具有丰富的象征和指代含义：既可以是自闭的蒂姆小时候无意中发现的一件小玩具、一本小人书、一块秘密的玩耍土地；亦或是童年时期常被父母遗落和独立的蒂姆自己所构思出来的一个虚拟形象，和它交谈、和它嬉戏，彼此依赖，以度过漫长的孤独时光；又或者这就是蒂姆从小就有的电影梦、导演梦，这个梦因为他不合时宜的年龄而受到同龄人的诟病、嘲讽和中伤，因此这个梦呈现出来的形象不那么光鲜，一如电影中尖头大眼的怪狗Sparky，它们分享着一个畸形残缺的共同特质，但都无一例外地陪伴过蒂姆走过他人生中最艰难的时期。


      如果你是带着这样一种认知和解读去看这部《科学怪狗》的，那么在看到Sparky在一场意外中被疾驰而来的汽车撞飞的这一幕你一定会忍不住泪流满面。

      这或许是影射了蒂姆早期遇到的第一个人生大坎，对他的打击和摧残是极其巨大的，从片中Frankenweenie目睹Sparky死去时的心碎，以及埋葬Sparky之后和家人一起久久矗立于墓头的一幕，可以窥见这个挫折对于主人公，对于蒂姆的创伤有多么撕心裂肺。


      “When you lose someone you love, they never really leave you.“，“They just get into our heart.”

      -“I don't want him to be in my heart.”，“I just want him back.”


      这句话里饱含的悲伤近乎让人崩溃。当时的蒂姆一定是感受着梦想逐渐远离的切肤之痛，但是偏执地坚持着梦想甚至用欺诈性的幻想的方式让自己维持下去，也许是他走投无路的唯一选择。



      To you, science is magic and witch craft because you have such small minds.

      I can't make your heads bigger. But your childrens' heads, I can take them and crack them open.

      This is what I try to do, to get at their brains.


      Science isn't good or bad.

      But it can be used in both ways.


      影片中Frankenweenie的老师在面对小镇家长的一致非议公开为自己辩护时说的这番话可谓是全片的最精华所在。老师对于Science的解读正是完美吻合了蒂姆对于做电影的鲜明态度 —— 别人眼中的荒诞、不可理喻，而为什么这个社会和这个世界会用异样的眼神和透骨的偏见去打量这样的作品，才恰恰是最荒诞、最不可理喻的理念和观点。

      借由老师的几句话蒂姆可以说是托物言志畅快淋漓地完成了一次对传统价值观的解构和讽刺，也是蒂姆所有作品中都少有的如此不半抱琵琶尤遮面的高调、大胆地直抒胸臆。光凭这一点，这部《科学怪狗》就足以称得上是蒂姆转走哥特风以来最好的作品之一，即便算不上最好的唯一，这也一定是最蒂姆、最波顿的蒂姆·波顿式电影，无关动画、无关内容、无关形式。



      纵观全片，尽管有无法剔除的负面消极的种种电影意向在其中，但蒂姆依然用他高度的电影人敬业精神履行着一个电影人该尽的全部义务与责任：造梦。

      谁说梦一定要鲜衣怒马要梦幻温柔？谁规定了梦就必须要存在于“只应天上有”的情境之中？

      梦为什么就要规规矩矩而不能凌驾于传统审美观和普世价值观之上？

      蒂姆·波顿给了所有沉睡中或者装睡着冷眼旁观的世人一记响亮的耳光 —— 纵然是怪诞，亦体现着梦的天马行空。因此蒂姆用他疯狂的创意和想象力接连造出了蝙蝠猫、毛毛虫“泰坦”克洛诺斯、哥斯拉一般的巨型悍龟、繁殖量惊人的吃盐会爆体的Sea Monsters …… 而究其诞生之根源，就如同那帮无耻小儿盗用Frankenweenie的创意一般，皆是始于Sparky，始于蒂姆·波顿孩童般的电影梦。


      影片的最后，蒂姆在深思熟虑之后，罕见地做出了他可以说最大的一次让步和妥协，当那一阵阵微弱的电流最终成功唤醒Sparky之后，我明白了那是蒂姆深藏在他那蓬头垢面不修边幅的外表下的极致温柔。

      特立独行了几十年的蒂姆，在这一次与迪斯尼的合作中，终于也放下了姿态，选择用这样一种深沉的方式满含慈爱地凝视着这个世界。

      在我看来，这绝不是蒂姆被逼无奈的屈服和被这个社会主流价值观的同化，恰恰相反，这一个不卑不亢的蒂姆·波顿才真正意义上完成了一次对自我的超越，真正意义上圆了他那个从小就怀有的伟大导演梦。



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24岁时，蒂姆•伯顿参与了29分钟的真人短片《科学怪狗》的拍摄。这部影片虽然精巧，却已能见蒂姆•伯顿哥特风格的形成。28年后，这部名不见经传的短片被重新搬上荧幕，成为蒂姆•波顿纯粹哥特风格延续的定格动画长片，不好说这是他对自己作品的一次怀旧，还是对此类题材的偏爱。
与其他名导一样，蒂姆•伯顿的电影有着强烈的自我风格，且他已为这一风格打上自己的标签；与其他名导不同的是，蒂姆•伯顿的风格异常的纯粹、彻底，他几十年如一的坚持，将哥特电影与他本人融合在一起部分彼此，以致哥特作品一出现，影迷们自然而然就在脑子里浮现出蒂姆•伯顿的名字。
在顿导的哥特电影中，最常见到两种情绪，一种是无处话凄凉的压抑，一种是找不到出口的愤怒。在这两种情绪的影响下，蒂姆•伯顿的作品很容易带上悲哀的色彩，哥特的表现力也更有灵魂，似乎他天生就是个用黑暗讲述悲剧的人。于是就有了爱德华的痛苦、伊察博的无奈、艾米丽的化蝶、陶德的愤怒、安格莉碎了一地的玻璃心……
但是，如果仔细捉摸会发现，蒂姆•伯顿的内心其实并不黑暗，甚至充满了童真的美好。就像他在电影里采用的各种华丽丽的风格元素一样，恐惧的表现并非真的吓人，甚至带了那么一点梦幻的童话色彩，大概这也是他的哥特风受到观众喜爱的一个原因。
在《科学怪狗》中，蒂姆•伯顿的这一风格得以延续，看上去并不可爱的小狗，各种烟熏妆的小人物，看似正常却总有阴影嫌疑的建筑，在黑白色彩的渲染下有种莫名的诡异，尤其是很有吸血鬼范儿的宠物墓园。这些场景或装饰都在极力营造黑暗神秘的色彩，似乎在告诉观众影片将会如过去的电影那样以悲剧收场。
    不过这回老顽童在剧情的处理上有了悲悯之心，甚至有了爱意。这是他诸多作品中最温暖的一部，从影片开头维克多与宠物狗的齐乐融融到小狗遭遇车祸为止，暖意始终在影片中渗透。狗狗离世开始，剧情开始朝着诡异的方向发展，但中心始终不离维克多对自己宠物的一往情深。故事情节相当狗血，毫无新意可言，但是在龟斯拉、蝙蝠猫等各种小妖孽的混战之后，剧情又重回温情路线，好歹给了一个完美的结局。
作为一部翻拍电影，《科学怪狗》动用了新形势，在故事中填塞了更多的内容。无论好坏，至少让情节很切实的丰富了许多。相较于之前《黑影》的无下限疯狂搞怪，《科学怪狗》显得收敛许多，因为感情的丰满，使这部定格动画有了那么些许别有风情的意义，很像是上了年纪的人在寻找逝去的青春与美好。

一句话评论

影片的人物设定出色，拍摄精良，完全体现出了导演的个人品味和水准。而且，黑白看上去也很有感觉。

——《综艺》

波顿这几年最出色的电影，虽然有些似曾相识，但是它还是能让你感到能量、热情。这是有生命的动画。

——完全电影

想象力不错，但是表现方式却过于繁琐。

——《好莱坞报道者》

幕后制作

　　蒂姆·波顿的未竟之愿

　　《科学怪狗》这部动画是波顿在迪士尼拍摄的第二部3D电影，前一部是《爱丽丝梦游仙境》。《科学怪狗》是一部翻拍的电影，其原作是波顿的同名真人短片。而在计划翻拍的讨论中，这部电影被波顿定为“黑白的定格动画”。影片早早就立项了，2005年，乔思安·麦克吉本就为影片撰写了初稿的剧本，后来，这个剧本得到了波顿和约翰·奥古斯特的精心打磨。要把《科学怪狗》用定格动画的方式搬上银幕，一直是波顿的一个心愿，因为在他的眼中，如果把《科学怪狗》这个故事拍摄成一部真人长片的话，会显得有些夸张。他说：“对我来说，拍摄《科学怪狗》的动画，一直是一件大事。我觉得定格动画、黑白是这个题材最好的表现方式。故事里的人物、动物和怪物，都可以恰如其分地被表现出来。如果是真人电影，则会显得有些过头。虽然这是一个老题材、老故事，但是当我重新在这些内容上工作的时候，还是会有全新且特殊的感受。”

　　无论从故事题材、人物设定还是电影样式上来说，《科学怪狗》是一部典型的波顿电影，里面有波顿式的人物、波顿式的情节还有波顿式的风格。对于影片，波顿说：“这部电影里有的，都是我所表现过很多次的人物。有的时候，面对着自己的人物，我会不知所措，所以我就会从生活中、从自己以往的作品用借用人物出来。在创作这部电影的时候，我就回想起了自己的同学，那些奇奇怪怪的老师和家里的邻居之类的。而且，为了找到影片所要呈现出的那种恐怖片的特色，我又翻出了很多我小时候看的环球公司的恐怖片，希望从中找到灵感，这些诸如《弗兰肯斯坦的房子》、《德莱库拉的房子》这样的影片给了我很多的提示。我很喜欢这样的恐怖片，也很喜欢这种哥特、黑暗和喜剧混搭的感觉。这个故事其实是从玛丽·雪莱的《弗兰肯斯坦》的小说中演变来的，我把它安排在了一个孩子的身上，放在了一个家庭的背景下讲述，在恐怖之余，更多了很多家庭、温馨的内容。这些，都是我最爱的素材。”

　　定格动画再现影坛

　　这几年，定格动画作品几乎是“爆炸式”地出现在影坛之上，从阿曼德公司的《超级无敌掌门狗》开始，这两年影坛上数得过来的定格动画作品就有《玛丽和马克思》、《鬼妈妈》、《了不起的狐狸爸爸》、《通灵男孩诺曼》等等等等。而且，这也不是波顿第一次制作定格动画了，2005年的僵尸新娘，就是一部定格动画。

　　《科学怪狗》2010年在伦敦开拍，剧组为了这部影片建造了巨大的工作间，在这个工作间里，他们创造了一个家庭阁楼、一片墓地和一所高中校园的内景。在安排好工作项目并分配好人员之后，整个摄影棚被分成了30个独立的区域，分块拍摄影片的情节和镜头。影片的主角－－小狗火花的玩偶被制作得相当“巨大”－－和影片中的人物玩偶的大小相比，火花的体积是非常骇人的。在制作人物的时候，波顿使用的是和拍摄《僵尸新娘》时一样的方法，先用不锈钢做骨架，然后再在骨架外面用硅胶制作身体，最后再用布料和毛发覆盖。拍摄出来的静态图片被导入电脑之后，再用CG的方式进行处理，才能得到一帧图像。因为很多人物的关节非常细小，所以市面上没有现成的螺栓和螺母可以购买，剧组专门请来了一位瑞士的钟表师，让他用自己的工具和技术手工制作螺栓和螺母。

　　和波顿合作多年的艺术指导里克·海恩里奇斯全程参与了设计场景、制作玩偶和后期制作的全部过程，他说：“这部影片中的很多场景，比如说小镇、街道，都是极其复杂的场景。我们既要表现出真实感，又要在片中展示出一种波顿式的黑暗感来，这是很复杂的。在制作玩偶上，我们除了放大了小狗火花的比例外，其他的一切都是严格按照人物的比例来制作的。这个小镇的设计灵感，来自波顿所长大的地方，确切地说，这是战后西南美国的常见小镇。有些超现实的设施和物件的设计，来自于《剪刀手爱德华》。”

花絮

·这是蒂姆·波顿第一次翻拍自己的作品。影片的原作是1984年的短片《科学怪狗》。
·这是从《大鱼》以来，波顿的第一部没有约翰尼·德普的影片；是自《断头谷》以来，第一部没有海伦娜·伯翰·卡特的影片。
·这是薇诺娜·瑞德第三次和蒂姆·波顿合作，他们的上一次合作还是21年前的《剪刀手爱德华》。
·影片让波顿、薇诺娜·瑞德和凯瑟琳·欧·哈拉重新聚首，这三个人上一次合作还是在1988年的《甲壳虫汁》之中。
·约翰·奥古斯特2006年就为影评重新撰写了部分剧本，可是他直到2009年1月才和剧组签约。
·本片中，著名演员克里斯托弗·李扮演了一个叫做德古拉的角色，这是36年以来，他第一次在银幕上扮演德古拉。在此之前最近的一次，克里斯托弗·李扮演德古拉，还是在1976年的法国电影《德古拉和儿子》中。而在《德古拉和儿子》之前，克里斯托弗·李几乎是那个年代里扮演德古拉的唯一人选。
·影片在拍摄过程中，一共制作了200多个玩偶，每个人物大致有40-45个关节，小狗火花的全身大致有300个部分组成。

片中的科学老师说，你做实验，如果没有‘心’，结果就会不同，虽然是翻拍他以前的短片，但这部确是很有心的电影，正因为有心，观众才会被感染。
之前有很多网上的留言说蒂姆伯顿老是重复自己，已是江朗才尽，经过好几部平平的片子，好像也确实是这个样子，这次很高兴看到他重返状态。歌德恐怖，50年代美国保守沉闷的郊区小镇，不合群的古怪小孩，这些都是他驾轻就熟的领域，没有意外，换来的是一个非常扎实的作品。虽然故事是可以预料，但反而觉得更加集中，节奏细节上的也是考虑周密。让我意外的是，即使做了后期6个多月，即使是粗剪看了好几遍，即使是睡眼惺忪地在周日大早赶到电影院，在大屏幕看了正式配乐的电影，还是发觉自己被感动。我想任何小时候养过小动物的人，在小狗被车撞死那一节，一定也会有这样的感受。
对于小观众的懂点电影的家长，那么片中对b级恐怖片致敬则是处处可见，小到那个‘龟斯拉’的名字叫‘shelly’， 明到片中电视上放的是经典hammer恐怖片'Dracula'，以及每个镜头的设计灯光，都是渗透了类型片的风格。改为动画长片后人物刻画更加饱满，出彩的猥琐小孩和心高气盛的日裔男生是我最喜欢的，很多地方也很搞笑。
虽然大家觉得影片的欢乐结尾有点弱，但是这是一部迪斯尼的影片，任何有大公司在背后的电影导演是不可能有百分之百的自由，试想下家长会花多少功夫来安慰伤心的小孩子，而大多数家长塞进张迪斯尼dvd的目的只是为了让小孩安静下来，我想迪斯尼是不会冒这个商业上的险弄个悲剧结尾出来，尽管在片中有隐约的不同结尾的暗示。
我觉得这是部4.5星的动画片，前几天看了阿德曼的神奇海岛团，完全不同的风格，也有很多异想天开我非常喜欢的地方，但是相比之下我觉得海盗团有点散，相反这部更简单紧凑，似乎效果更好。还没有看过通灵男孩，没有比较，但沿承奥斯卡一贯对于向电影史致敬的感情分，这部还是满有希望的。
这部片的3D是后期转的，也是做得比较出色的，听说做转3d的工作人员对这部片也是非常有爱，但我可能还是推荐看2d，因为可以看到更多视觉上的细节。
谁说动画片没有感染力？比起接连不断的大片，这部绝对是我看过的最有心有爱的一部。虽然动画片比live action在制作上要费时费力，我也在‘狐狸爸爸’之后发誓不再浪费时间做动画片 （这部基本上和‘狐狸爸爸’是原班人马，在东伦敦奥运场馆边上的3 mills studio拍摄，从‘狐狸爸爸’之后就开始，可以说连奥运场馆都造好了，这部还在做收尾）但是今天看了电影，我想如果有机会我还是会去做动画片的。